10 versiones propias que superan a las canciones originales

Diseño basado en la portada del ‘single’ ‘Crazy de Gnarls Barkley, con elementos de otros discos del especial. OpenArt

David Bowie, Nirvana, Eric Clapton, Gnarls Barkley, Sufjan Stevens, Deftones, Fred Again y St. Vincent reinterpretaron algunos de sus temas más icónicos, que lucen mejor con nuevos arreglos, en formato acústico o adaptados a otro género

Las canciones son «seres vivos que mutan y se transforman a lo largo de los años». Esta declaración de Pucho, cantante de Vetusta Morla, durante la promoción del disco ‘Mismo sitio distinto lugar-Canciones dentro de canciones’, es una idea que muchos artistas han repetido a lo largo de la historia. La banda española pretendía explorar sus propios temas desde diferentes ángulos, es decir, probarlos en distintos contextos, con nuevos instrumentos o experimentando con otros estilos, desdibujando las fronteras musicales y huyendo de cualquier etiqueta.

Se trata de una práctica bastante habitual en los últimos años en la industria musical, con numerosos recopilatorios de artistas consagrados que reimaginan por completo sus grandes éxitos, con mejor o peor fortuna, y formatos como los Tiny Desk Concerts o los MTV Unplugged que motivan a explorar nuevas interpretaciones del repertorio original. En otras ocasiones, esas versiones alternativas aparecen casi a la vez que la canción original y, en muchos casos, se convierten en las favoritas de los fans.

No siempre es necesario sorprender con cambios radicales, a veces simplemente con ajustes sutiles como mejorar la mezcla, con un sonido más limpio y directo; eliminar una parte innecesaria (acortar solos demasiados extensos o quitar repeticiones del estribillo) e incorporar nuevos arreglos se consigue un resultado final más satisfactorio. Aunque también hay maestros de la reinvención, como Bob Dylan, quien acostumbra a transformar sus propias composiciones de manera tan extrema que en ocasiones resultan casi irreconocibles en los conciertos.

Desde Alternavivo hemos seleccionado una serie de temas icónicos y sus reversos en los que parece evidente, a nuestro subjetivo juicio, que mereció la pena reinterpretar o retocar el material original porque se produjo un salto de calidad. En este primer especial, la lista incluye desde ‘hits’ clásicos de David Bowie, Eric Clapton y Nirvana hasta una de las mejores canciones de este siglo, ‘Crazy’, de Gnarls Barkley, y composiciones de artistas más contemporáneos como Fred Again y St. Vincent.

1

Sufjan Stevens: Chicago

**Disco:** Illinois
**Fecha de publicación:** 5 de julio del 2005
**Duración:** 6:04

Puestos a componer una canción, por qué no hacer hasta cinco versiones diferentes. Es el hito que logró Sufjan Stevens con ‘Chicago’, uno de los himnos de la década de los 2000, publicado en su disco ‘Illinois’ (también conocido por ‘Sufjan Stevens invites you to: Come on feel the Illinoise’) en 2005, y que cobró más relevancia tras aparecer en la película ‘Little Miss Sunshine’ y, más recientemente, como cabecera de la serie de Netflix ‘The politician’. El tema cuenta una historia autobiográfica de las experiencias del músico en sus viajes a Chicago.

Tres de las versiones aparecieron un año después de la publicación del disco original en ‘The Avalanche’, con los añadidos de ‘Acoustic version’ –la favorita de muchos por ser la más íntima–, ‘Adult contemporary easy listening’ –la que compite con la grandeza de la original, con un toque más barroco– y ‘Multiple personality disorder’ –la más experimental y deconstructiva, que bien podría ser un ‘remix’ hecho por The Flaming Lips–.

Acoustic version (1); Contemporary Easy Listening Version (2) y Multiple Personality Disorder Version (3)

**Disco:** The Avalanche
**Fecha de publicación:** 11 de julio del 2006
**Duración (1):** 4:40
**Duración (2):** 6:06
**Duración (3):** 4:34

Demo (4)

**Disco:** Illinois: Special 10th Anniversary Blue Marvel Edition
**Fecha de publicación:** 1 de abril de 2016. Grabada en 2004
**Duración (4):** 4:08

La versión más reciente en el tiempo es curiosamente la primera que se grabó. Publicada en 2016, se trata de la maqueta de las sesiones de grabación del disco en 2004. Apareció en 2022 en la introducción del episodio 7 de la primera temporada de la serie ‘The Bear’, lo que hizo que ganara popularidad y que para muchos sea la mejor.

2

Gnarls Barkley: Crazy

**Disco:** St. Elsewhere
**Fecha de publicación:** 24 de abril de 2006
**Productor:** Danger Mouse
**Single:** 13 de marzo de 2006
**Duración:** 2:58

La diferencia entre que te guste una canción o que te erice la piel. ‘Crazy’ es un tema que sobrepasa los 1.000 millones de reproducciones en Spotify y que lideró las listas de medio mundo tras convertirse en un éxito viral, pero la versión grabada para el programa ‘From the basement’ es simplemente hipnótica. Son Cee-Lo Green, con su impresionante voz, Danger Mouse en el teclado y Josh Klinghoffer (ex de Red Hot Chili Peppers y ahora músico de gira de Pearl Jam) a la guitarra y consiguen dar una vida extra a una de las canciones más reconocibles de este siglo, con ese sonido mezcla de soul y psicodelia y puro aroma a banda sonora de un spaghetti western). Tan bueno es el nuevo arreglo que llegó a ser utilizado en el tráiler de la película ‘Birdman’.

Crazy (Live)

**Programa:** From the Basement. Temporada 1. Episodio 7
**Fecha de emisión:** 2007
**Duración:** 4:53

Aunque lo bueno de Gnarls Barkley es que ha hecho versiones en directo de ‘Crazy’ de todas las formas posibles (tantas como disfraces diferentes cada vez que la tocaban), y todas muy buenas.

3

David Bowie:
Rebel rebel

**Álbum:** Diamond Dogs
**Fecha de** publicación: 24 de mayo de 1974
**Single (UK):** 15 de febrero de 1974
**Duración:** 4:20
**Single (USA):** Mayo de 1974
**Duración:** 3:01

No cabe duda de que ‘Rebel rebel’ es una de las mejores canciones de David Bowie, catalogada como su despedida a lo grande del glam rock, pero aunque su ‘riff’ ‘stoniano’ es icónico, puede llegar a cansar por repetitivo, ya que se prolonga prácticamente durante sus cuatro minutos y 20 segundos de duración.

Ya en su momento existían dos versiones de la canción, la publicada en el disco ‘Diamond dogs’ (1974) y como ‘single’ en Reino Unido, y otra más corta y directa lanzada como sencillo en Estados Unidos (por ese perfeccionismo compulsivo que caracterizó toda su carrera), con una mezcla diferente, el tempo algo acelerado, nuevos coros del cantante, más percusión y que arrancaba con el mítico «hot tramp, I love you so!».

Reality version

**Álbum:** Reality
**Fecha de** publicación: 15 de septiembre de 2003
**Duración:** 3:10

Décadas después, en 2003, Bowie lanzó una nueva versión incluida como ‘bonus track’ en el disco ‘Reality’ y en la banda sonora de la película ‘Los Ángeles de Charlie: al límite’, en la que quita relleno y esconde el mítico ‘riff’ hasta casi el minuto. El único pero, que el final es demasiado abrupto, pero funcionaba realmente bien en directo, donde, no obstante, respetaba el inicio clásico.

4

Nirvana: About a girl

**Álbum:** Bleach
**Fecha de** publicación: 15 de junio de 1989
**Productor:** Jack Endino
**Duración:** 2:48

‘About a girl’ encontró el formato perfecto en el ‘MTV Unplugged’ y Nirvana demostró los geniales estribillos y melodías detrás de la distorsión y rabia de sus canciones. Con cambios tan sutiles como bajarle el tempo, escobillas en vez de baquetas y unas guitarras no del todo acústicas (electrificadas y con efectos), la canción ganaba tanto respecto al tema que se publicó en el primer álbum del grupo, ‘Bleach’, que es la versión que ha quedado para la posteridad. Mismo caso de ‘All apologies’, mucho mejor en el ‘MTV Unplugged’ que en ‘In Utero’. La triste muerte de Kurt Cobain también influyó en la trascendencia de estas versiones respecto a las originales, al convertirse en el epílogo musical de una leyenda de los años 90.

MTV Unplugged

**Álbum:** MTV Unplugged in New York
**Fecha de publicación:** 1 de noviembre de 1994. Grabado el 18 de noviembre de 1993
**Productor:** Scott Litt
**Single:** 24 de octubre de 1994
**Duración:** 3:04

5

Derek and the Dominos: Layla

**Álbum:** Layla and Other Assorted Love Songs
**Fecha de** publicación: 9 de noviembre de 1970
**Single:** Marzo de 1971
**Duración:** 7:04 (álbum); 2:43 (single)

Pero si se habla del formato ‘Unplugged’, la canción por excelencia que compite con la versión eléctrica es ‘Layla’ de Eric Clapton. Lanzada originalmente a través de una de sus bandas, Derek and the Dominos, el tema contaba con uno de los ‘riffs’ más reconocibles de la historia de la música y una letra sobre el amor secreto que Clapton sentía por la mujer de su amigo George Harrison, y que cantaba de forma desgarradora. Por no hablar del solo de piano de Jim Gordon a mitad del tema, casi tan memorable como el mítico punteo de guitarra. Existe también versión orquestal para añadir más emoción al final.

Para la grabación acústica, Clapton eliminó el ‘riff’, porque sentía que en acústico perdería toda la fuerza, y se rodeó de músicos como Andy Fairweather Low, Nathan East, Ray Cooper, Steve Ferrone y Chuck Leavell (quien brilla con el piano), a los que dio libertad para reinterpretar la canción, con un ritmo mucho más blusero, e improvisar, en lugar de solo en la parte final como en la versión eléctrica, y la canta una octava más baja que la original, para que suene más agradable, y con un tempo más lento. Suena tan bien y cambiada que podría considerarse un tema independiente.

Eric Clapton:
Layla

**Álbum:** Unplugged
**Fecha de** publicación: 25 de agosto de 1992. Grabado el 16 de enero de 1992
**Productor:** Russ Titelman
**Duración:** 4:46

6

The Smashing Pumpkins: Disarm

**Álbum:** Siamese Dream
**Fecha de** publicación: 27 de julio de 1993
**Productores:** Butch Vig y Billy Corgan
**Single:** 22 de marzo de 1994
**Duración:** 3:17

Uno de los himnos que catapultó la fama de The Smashing Pumpkins en los años 90 es ‘Disarm’, con una de las mejores primeras líneas de la historia («Disarm you with a smile»/«desarmarte con una sonrisa»). Tercer sencillo de ‘Siamese dream’, el tema muestra el lado más oscuro de Billy Corgan a través de las letras (llegó a declarar que como no tenía el valor de matar a sus padres, escribió esta canción), hasta el punto de que llegó a ser prohibida en algunas radios y programas de televisión, como la BBC, por frases como «cut that little child» y abordar el maltrato y abuso que sufrió cuando era pequeño (habla directamente de que él terminará ese patrón de violencia que se transmite de padres a hijos), y su lado más sensible a nivel musical, con guitarra acústica y acompañamiento de instrumentos de cuerda y campanas que le dan mayor dramatismo.

Por ese motivo, la versión acústica, en la que se resalta el sonido de las cuerdas y se elimina la guitarra acústica, eriza aún más la piel.

Disarm (acoustic)

**Álbum:** Siamese Dream (deluxe edition)
**Fecha de publicación:** 29 de noviembre de 2011. Grabada entre diciembre de 1992 y marzo de 1993
**Productores:** Butch Vig y Billy Corgan
**Duración:** 3:18

Pero aunque el público se ha acostumbrado a que sea una canción tranquila, no es hasta que se escucha la versión grunge cuando uno realmente se da cuenta de que también funciona. En ella el grupo descarga toda su ira con las guitarras, yendo más allá del simple cambio de las acústicas por las eléctricas y transformando una balada en una canción de rock. El mejor exponente aparece en el recopilatorio de vídeos en directo ‘Vieuphoria’, donde interpretan esta versión tan grunge, con Jimmy Chamberlin machacando los platos y un solo añadido de James Iha al final. No era la versión más habitual y tan solo sonó en ocasiones contadas durante la promoción del álbum ‘Siamese dream’, pero es grunge en estado puro.

Se trata de la canción más versátil del grupo, que ha sonado de más de diez formas diferentes, desde Billy Corgan solo con la guitarra, el piano o el melotrón hasta acompañado por toda la banda de forma acústica, eléctrica, con o sin batería…

Disarm (grunge version)

**Documental:** Vieuphoria
**Fecha de publicación:** 4 de octubre de 1994. Vídeos grabados en 1993
**Productor:** Modi
**Duración:** 2:57

7

Deftones: Pink Maggit

**Álbum:** White Pony
**Fecha de publicación:** 20 de junio del 2000
**Productor:** Terry Date
**Duración:** 7:32

¿Está mal convertir una gran canción en un ‘single’ comercial? A Chino Moreno, líder de Deftones, le pareció un sacrilegio que la discográfica reeditara el mítico álbum ‘White pony’ incluyendo una nueva canción, ‘Back to School (Mini Maggit)’, que era una versión accesible, «calculada» llegó a reconocer, del tema que, de forma magistral, cerraba el disco, ‘Pink Maggit’, porque consideraban que le faltaba un ‘hit’.

El cantante se tomó como un reto personal crear un éxito para demostrarle a «los cabrones» de Maverick lo sencillo que era, por lo que tuneó la maravillosa progresión de acordes de la canción original, le añadió una parte de rap por las presiones para hacerla más numetalera, género que estaba en todo lo alto por grupos como Limp Bizkit, Korn y Linkin Park, y la acortó para que no sobrepasara los cuatro minutos (por los 7:30 de ‘Pink Maggit’, eliminando la introducción etérea e introspectiva y una coda de lo más lisérgica, con los latidos del corazón sonando mientras la música se desvanece).

Por eso en la edición por el 20 aniversario del disco no aparece, solo el ‘tracklist’ original, con ‘Feiticeira’ como primer tema en lugar de ‘Back to school’. Pero esta versión, por muy simple que parezca en comparación con el nihilismo y profundidad de la original, es un trallazo en toda regla, con ese sonido tan característico de inicios de siglo.

Back to school (**Mini Maggit)**

**Álbum:** White Pony
**Fecha de relanzamiento:** Octubre del 2000
**Productor:** Terry Date
**Duración:** 3:57

8

St. Vincent:
Slow disco

**Álbum:** Masseduction
**Fecha de publicación:** 13 de octubre de 2017
**Productores:** Jack Antonoff, St. Vincent y Lars Stalfors
**Duración:** 2:44

«Siempre he sentido que esta canción podía vestir muchos trajes diferentes y vivir vidas distintas». Menudo acierto el de St. Vincent con la versión bailable de su tema ‘Slow disco’. Titulada ‘Fast slow disco’, cambia los arreglos orquestales de la balada original por un sonido discotequero, más cercano al synth pop, y, sinceramente, le sienta mejor el traje de fiesta que el solemne (la nueva versión prácticamente triplica el número de escuchas de la original).

Parece que Taylor Swift fue la inspiración para la nueva versión a través del productor de la misma, Jack Antonoff, pero es una nueva demostración de la genialidad artística de la multiinstrumentista estadounidense.

Fast slow disco

**Single:** Fast slow disco
**Fecha de publicación:** 1 de junio de 2018
**Productores:** Jack Antonoff y St. Vincent
**Duración:** 3:17

Existe una tercera versión, titulada ‘Slow slow disco’, que es simplemente la voz de Annie Clark con el acompañamiento del pianista Thomas Bartlett, además de diferentes arreglos para los directos, desde simplemente con una acústica hasta los guitarrazos habituales que añade a sus canciones en vivo.

Slow slow disco

**Álbum:** MassEducation
**Fecha de publicación:** 29 de septiembre de 2018
**Productores:** St. Vincent y Thomas Bartlett
**Duración:** 2:30

9

Fred Again: Delilah (Pull Me Out of This)

**Álbum:** Actual Life 3 (January 1 – September 9 2022)
**Fecha de publicación:** 28 de octubre de 2022
**Colaboradores:** Delilah Montagu
**Productores:** Fred Again, Alex Gibson, Kieran Hebden, Parisi, Skrillex y Tim Raben
**Duración:** 4:11

No existe formato en directo que obligue más a reinventarse a los artistas que los Tiny Desk Concerts de NPR, la radio pública estadounidense, con resultados absolutamente sorprendentes. En principio fueron ideados por el programa radiofónico de la cadena ‘All Songs Considered’ para ser conciertos acústicos y de una duración de unos 20 minutos, pero con el paso de los años (se hacen desde 2008 en la redacción de la radio en Washington, a un lado del escritorio del presentador Bob Boilen, de ahí el nombre) se abrió la veda a todo tipo de sonidos, pero sin pasarse de decibelios (hasta Idles tuvo que bajar un poco las revoluciones, solo un poco…).

Por eso sorprende que un artista como Fred Again, eminentemente electrónico (para muchos, el mejor DJ del mundo), apostara por este formato. El compositor y productor británico recurre en esta actuación especial al piano, la marimba y el vibráfono (instrumentos de percusión que tuvo que volver a aprender a tocar) e incluso la mesa del escritorio para recrear algunas de sus melodías más conocidas, y canta, sin ningún tipo de manipulación de la voz, para darle más autenticidad a su música, además de recurrir a sus clásicos ‘samples’ (vocales, de conversaciones o de mensajes de audio de sus amigos) y ‘loops’.

Gran ejemplo de ello es ‘Delilah (pull me out of this)’, de su tercer disco, ‘Actual Life 3 (January 1-September 9 2022)’, en la que usa ‘samples’ del tema ‘Lost Keys’ de la cantante Delilah Montagu (quien aparece en la pantalla en la actuación en el Tiny Desk). Una de las mayores reinvenciones creativas de la historia del programa y un ejemplo de cómo humanizar la música electrónica.

Delilah (Pull Me Out of This) (Tiny Desk Concert)

**Programa:** NPR Tiny Desk Concerts
**Fecha de estreno:** 10 de abril de 2023
**Duración:** 3:40

10

Piratas: Años 80

**Álbum:** Ultrasónica
**Fecha de publicación:** 2001
**Productores:** Juan Luis Giménez, Vicente Sabater y Piratas
**Duración:** 3:41

Cualquiera que haya visto en directo a Iván Ferreiro sabe que siempre busca darle una vuelta a los temas míticos de Piratas, como sucede siempre con ‘Años 80’, el más popular a nivel comercial de su antigua banda y que dejó fuera durante años de sus ‘setlists’ por puro hartazgo. La versión que suena en su disco (en directo ante poco más de 50 personas) ‘Confesiones de un artista de mierda’ es probablemente la más redonda, con esa introducción que hace con el piano, y que ya activa la fibra sensible de los fans, hasta que acelera a un ritmo y unos sonidos que ya se asemejan al de la original, con una riqueza instrumental que eleva el resultado final. El álbum contiene otras perlas como ‘El equilibrio es imposible’, ‘Promesas que no valen nada’ e ‘Inerte’ que también merece la pena escuchar para descubrir los nuevos matices que Ferreiro sabe añadirle.

Iván Ferreiro:
Años 80

**Álbum:** Confesiones de un artista de mierda
**Fecha de publicación:** 18 de octubre de 2011
**Fecha de grabación:** Julio de 2011
**Duración:** 3:23

Bonus Track

MCR: Welcome to the Black Parade

**Álbum:** The Black Parade
**Fecha de publicación:** 23 de octubre de 2006
**Productor:** Rob Cavallo
**Single:** 12 de septiembre de 2006
**Duración:** 5:11 (versión del álbum); 4:37 (versión radio)

La pena es que ‘The five of us are dying’ tiene un sonido demasiado maquetero en comparación con la belleza y el dramatismo de ‘Welcome to the black parade’, pero aun así siempre es interesante descubrir el origen de una canción tan emblemática (y comprobar que efectivamente cambió a mejor), que es la que mejor representa la evolución sonora de My Chemical Romance. ‘The five of us are dying’ es la ‘demo’ de ‘WTTBP’, por lo que musicalmente hay bastantes similitudes, aunque con importantes variaciones tanto en la intro como en la parte final. Al principio la canción tenía una introducción más corta y simple, solo con el acompañamiento musical de un piano, y no había ni los redobles de marcha de batería ni el ‘crescendo’ de intensidad de ‘WTTBP’.

La mayor influencia de la primera era el ‘My way’ de Frank Sinatra (aunque también suena mucho a Queen), con un sonido más próximo al anterior disco de la banda, ‘Three Cheers for Sweet Revenge’; mientras que la segunda, con esa producción tan grandilocuente, acabó convirtiéndose en una especie de ‘Bohemian Rhapsody’ millennial.

Las primeras versiones del tema no convencían al cantante Gerard Way, al contrario que al resto de la banda, hasta el punto de que casi se queda fuera del disco. Una vez se rebautizó como ‘Black parade’, se reconstruyó la introducción, añadiendo las icónicas once notas de piano (G F# B E D G C B E A D), convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de la década de los 2000.

La preferencia entre una y otra va más allá de que la primera es más intensa, sombría y cruda, y la segunda, épica y compleja, también depende de la letra, que es donde hay las mayores diferencias. En ‘WTTBP’ se sigue la historia de ‘El paciente’, protagonista del disco, que en el momento de la canción se encuentra agonizando en la cama de un hospital, rememorando su pasado cuando era niño, porque según explicó Gerard Way, la muerte llega en la forma de tu recuerdo más poderoso, y para ‘El paciente’ ese recuerdo es un desfile de una ‘marching band’ al que fue con su padre. El significado general de la canción, según reveló, «es el triunfo del espíritu humano sobre la oscuridad», que se manifiesta con ese grito poderoso de «We’ll carry on». ‘The five of us are dying’ trata aparentemente temas más personales, sobre sentirse perdido en la vida e intentar buscar el camino.

La frase «Sometimes I get the feeling / she’s watching over me», que aparece en ambas versiones, es la única letra del álbum que hace referencia a la difunta abuela de los hermanos Way.